像秦放歌现在这样，给生们集体讲课，一般叫做“大课”，一对多，一位老师对多位生。而他随后进行的大师班正式课程，可以算是“课”，一对一，一位老师对一位生的教活动。
不过秦放歌给生们上的“课”，是会进行络直播，并有其他生程围观，只是教重点是针对具体每位生的特点和风格。
现在这样的大课，秦放歌也就讲作曲的宏观格局等面，对每位立志创作的生，都是有用处的。
关于灵感，秦放歌想要讲的很多，“你的灵感，你的音乐主题一定要是一个大家都能够感知到的，并且能够结合各自不同的经历，对这个主题产生多种多样联想的、宏观的、宽泛的形象。”
“简而言之，灵感首先是在我们在脑海中形成的，一种主观的意象或形象，但光有这些主观的、具体的意象或形象还不够，我们还需要将其凝练成为一种具有共性的、抽象的思想。进而作为一部作品的创作意图，来指导和统筹整部作品的设计和发展。”
“我知道大家普遍关注的，关于写什么的话题中，还有一个点就是，我们要写民族的作品吗？”
“我的答案是当然要写，民族的就是世界的。但写民族音乐作品，并不是简单的生搬硬造，套上我们传统五音阶，那也太敷衍观众也不会认可。”
“西音乐在创作当中的时候，特别重视材料贯穿、结构清晰的习惯法则，这些优点是我们要习并用在创作中的。但我们创作时，也需要把握、发挥出我们中国传统音乐所独有的审美要素，如虚实、意象、余韵、留白等，和我们传统化相结合的西。”
“民族音乐中五声性的素材是很好的创作元素，用五声性素材的运用是要塑造音乐的整体。假如你仅仅用五声音阶做横向、纵向的呈现，那么每一个人、每一个作品的创作手法就都一样。这样创作出来的作品，就是失败的。”
“大家对于民族元素的理解各不相同，但毫无疑问，如果将其单纯的理解成为五声音阶的呈现、民间曲调的应用又或是某件民族乐器的音色附加，无疑是狭隘而表层的。”
“我认为的，民族元素是一个广义的、宽泛的概念，是设计在音响、结构中的核心要素，也是浸染在音乐中的独特意境，也是贯穿在作品中的化内核，还是呈现音乐语言的内在逻辑。”
“创作民族元素作品，并不意味着就抛弃西洋音乐。中西乐器兼重、兼容，是时代进步的必然。中国的乐器怎样写、中西乐器在一首作品当中如何共融，接下来我会详细为大家讲解。”
于是，秦放歌就先从中国民族乐器的特性讲起，切入到音乐写作中具体的结构安排、配器、演奏法和审美表达，建议在乐曲中为中国乐器的特殊性格“留白”。
比如，中国民族音乐中独弹拨乐器，一个格外重要特性就是“余韵”，可以在乐曲中为乐器的余韵留有更多的空间有效展开，而不要一触即停。
这样的话题其实是比较宏大的，引申开来，别是一天的大师班课程，讲一个期怕是都讲不完的。
秦放歌也先不管这些，先把他的这些想法摆出来，告知生们再。可以让生们回去之后慢慢消化，特别是在他们创作的时候，要能有所帮助的话，就善莫大焉。
“此外，中西音乐相结合，也会有一个相当实际的问题：中国民族音乐中许多口传心授的技艺与韵律，是西指挥、演奏员难以理解的。因此，我们的音乐作品中涉及此类因素时，都应该想办法尽可能地将预期音响效果在谱面上清晰地体现出来，以传达给指挥和演奏员，使其在最大程度上实现我们对最终音响效果的期待。”
秦放歌这好为人师的家伙，一旦讲起来，也真是如“滔滔江水连绵不绝，又如黄河泛滥一发不可收拾。”
他哪怕讲这些特别专业的问题，也是各种不带重复的，好在没有唾沫横飞，但依旧激情四溢，“除了写什么的问题外，我知道大家肯定还有怎么写的疑问……”
“结构布局、材料运用、和声设计等基础作曲技术需要我们长期不间断的练习，而运用这些技术的理念进行创作，则是关键。”
“训练作曲技术面的能力，是我们习阶段首当其中的功课，在此基础上，我认为，一定要明确一个核心的观念根据创作意图运用合理的技术。”
“从创作意图着手，从宏观到微观，设计作品的结构、材料、和声、织体、音色等，优秀的作品一定是根据创作意图在切题的结构中，充分地运用最简的材料、恰到好处的和声、织体、音色，获得最符合创作意图的音响效果。绝不是漫无目的的、浮夸的技术堆砌，这样创作出来的作品，除了炫酷之外，没有任何的意义。”
“关于结构设计，在我们明确了创作意图后，首先要做的就是设计一个符合创作意图的结构框架，在宏观的构想下逐层塑造中观、微观的组织与形态。那么所谓的结构是要怎样设计才算合理，要遵循传统结构原则还是另辟蹊径？我认为根据创作意图的需要，对传统的规则作出突破，在获得预期效果的同时，还能使作品不落窠臼，这样的设计才是最好的。”
“关于材料的运用，材料与结构是最为密不可分的两个要素，将具有对比性的材料有机地安排在不同的结构中，是使作品拥有结构力量和戏剧性冲突的重要手段之一。”
“我主张使用少量而简的材料加以充分且多样的发展，不需要在一部作品中出现多个彼此间缺少联系的材料，这样易使每一个材料展开不够充分，进而导致段落间衔接不自然、作品难以在听觉上给人留下深刻的印象。对此，我们也必须对自己的灵感有所取舍，不能因为这些灵感都是好不容易得来的心血，就一股脑的塞在作品当中。不能在听众耳朵里留下深刻印象的作品，很难禁得住时间的考验成为经典的作品”。
“当有新材料出现时，一定让老材料带着新材料，从而使段落间衔接自然、行云流水。而对比性的材料之间，则需要一个共性的因素将他们联系起来，让矛盾和冲突在同一个场域中进行、最终融合，从而形成有机的统一。”
“材料运用之上，就是风格的形成。将单一的动机、材料加以充分的发展，使其以不同的形态、性格、色、角色贯穿于曲，从而在听觉上给人以深刻的印象，是一部优秀作品的必备要素。仅仅把相似的织体和音程“画”在谱子上，或是让纷繁复杂且彼此间缺少联系的材料星罗棋布地散落在结构中，这些做法很难使听众记住一部作品。”
“克利斯朵夫英雄交响曲的伟大之处就在于，他只用了四个音就发展出一部四乐章的交响套曲，无论每个乐章各自有怎样的性格、主题，结构间的张力何等跌宕起伏，扣人心弦的4音动机始终深入人心。”
“这也给我们深刻的启示，在设计材料时中抓住主题，并使其在整个作品的发展中不绝如缕，是音乐风格形成过程中至关重要的一步。我们后来的这些创作者们，都应该好好品读伟大作曲家的经典之作，习其中的华，最好做到引为己用。”
“最后一个问题，我们的创作，为谁而写？”
“相信这也是困扰我们创作者们的一个大问题，创作时是否要考虑听众的接受度？我应该为谁而写？”
“我认为，创作者一定要为自己血液中的激情而创作，因为这才是你最真的、最能够做好的西。”
“我不会去考虑听众的感受，因为这实在太难了，每个人的喜好都不一样。我在创作时，只去考虑我想要表达的西。当然，我也会考虑创作目的，如电影音乐、电视剧音乐、各种场景音乐等，必须让音乐符合目标的需求。这些音乐，就不能随心所欲的进行创作，可以当成是做作业。”
“绝大部分音乐，一定要为自己的内心而写，为自己的而写，而这个是所有人都能感受到的有神而无形的，为这个写出源于你内心西，这样才能赋予音乐灵魂。”
“我们一定不能让当代的音乐创作只存活在专业的院校里，成功的作品一定是让不懂何为音程、何为和弦的人都能神贯注的聆听。这就要求我们有一个大家都能够理解的，然后为它设计出合理的结构、音响。”
“综上所述，创作者要为创作意图而写，在一个具有共性的想法，创作意图上，做合理的安排、布局、设计，充分的将其以音乐的形式展现出来，听众自然能够接受并被音乐所吸引。”
秦放歌在那侃侃而谈的时候，生们听得格外认真不，家长和老师们，也都听得相当的投入。因为他们也都明显听得出来，秦放歌讲这些，都是特别有实际意义的，并非是无的放矢。都是针对生创作中的“思想问题”而讲的，先解决了这些思想上的包袱，弄清楚了前进的正确向，后面的习就可以事半功倍。
他在这滔滔不绝就讲了一个多时的“大课”，也让生们纷纷表示受益匪浅。
滕舒婷这个助手也不是那么尽责，都没帮着总结下什么的，倒是她的和声老师吴亦芬，也是著名的“秦放歌吹”，经常上央视音乐频道，各种变着花样夸秦放歌的。
秦放歌在海外的那些演出，都是请的吴亦芬教授当解嘉宾的。
吴亦芬教授心善人好，对秦放歌和滕舒婷她们更是格外关心，她这和声教授的水平也不是盖的。
最后也是吴亦芬教授，为秦放歌的这节大课做出了总结，他自己不好意思太过自吹自擂，但在吴亦芬看来，这是秦放歌太过谦虚的缘故。
她们这些当老师的，就没那么多顾虑，这些总结，其实也是她们作曲系老师对生们的殷切期望，在这点上，秦放歌和吴亦芬她们这些老师都是一条战线上的。在这时候，秦放歌根就不一位生，而是一位“音乐教育家”，从他开办大师班起，就是这样的定位。吴亦芬也根不觉得夸张，她甚至觉得秦放歌的才华，其实还是被大家低估了太多太多。或许是因为大家其实内心深处，见不得太过有才华的人，所以，下意识会觉得很浮夸，有没有那么厉害等等的想法。
吴亦芬教授是最早那批仔细钻研和分析过秦放歌作品的人，这其实也是她的职工作，她是作曲系的和声教授。吴亦芬教授，把秦放歌的作品当成是教材，布置作业给作曲系的生们完成，让他们深刻理解和习他作品中和声创作的各种技巧。
“秦老师希望你们做到的，不仅仅只是创作技术的提升，更要对创作理念进行升华。深厚的技术功底，丰富的化知识积累和沉淀、开放兼容的创作理念，以及运用技术手段表现创作意图的能力，是一名成熟作曲家所必备的素质。也是你们年轻一辈创作者们，需要在习与实践中不断积累、思考和探索可获得的能力。秦老师能教给你们的，也只有向和法，具体如何去实现，怎样进行创作，还是需要大家努力钻研，勤奋练习，不要害怕吃苦，也不要觉得枯燥厌烦，只要我们肯付出努力，自然会有相应的回报。”
“在创作面，秦老师绝对是我们大家习的典范，据我所知，他每天不管多忙碌，都会坚持进行创作。他创作了这么多的音乐作品，除了超人的天赋外，勤奋努力最是我们需要的。”